Confronto

Scopri le differenze tra la Danza Contemporanea e la Danza Hip Hop, le tecniche, la musica e l’abbigliamento che le caratterizzano. Vediamo a confronto i due stili di danza con una battle ad armi pari. Chiedi informazioni ai nostri insegnanti qualificati!

Sommario

1. Cos’è la Danza Contemporanea, Storia e filone Artistico
2. Hip Hop style e Danza Urbana, Cos’è e la Musica
3. Battle: Danza Contemporanea e Danza Hip Hop
4. Dove Studiare?
5. Le Compagnie più famose della Danza Contemporanea
6. Curiosità: Film sulla danza Hip Hop e Citazioni
7. Video, Hip hop Danza e Contemporanea
8. Quali tipi di danza ci sono?

Cos’è la Danza Contemporanea, Storia e filone Artistico

La danza contemporanea nasce in Europa e negli Stati Uniti alla fine della Seconda Guerra Mondiale. La danza contemporanea è riconosciuta come la danza rivoluzionaria dai canoni classici (e moderni), creando nuove espressioni corporee basate su un nuovo movimento energico e fluido. Il principio che si impone è il superamento dei generi dalle forme, passi e pose di danza convenzionali a beneficio di una forma artistica espressamente scenica ed introspettiva.

Anche il ruolo del ballerino è diverso. Il danzatore contemporaneo è il coreografo di se stesso, a cui è lasciata la piena libertà creativa e stilistica. L’improvvisazione infatti diventa il fulcro della danza contemporanea, sviluppata durante le lezioni fino a creare un’intera performance. La tecnica dell’improvvisazione non è innata per tutti, per qualcuno è una forma d’espressione semplice, perché se si ha tanto da raccontare ogni pensiero che arriva alla mente si trasforma in movimento. Per altri invece è più difficile, poiché se abituati alla forma del movimento (come imposta dal balletto classico) e non all’essenza dello stesso, è complicato lasciare andare la testa per dare spazio alla creatività senza sentirsi sbagliati o giudicati.

Lo stile contemporaneo (contemporary dance), è un insieme di metodologie e tecniche, un insieme di concetti, passi e movimenti che si fondano sulla creatività e l’immaginazione, sulla scienza e l’astrazione, sull’interiorità e l’esternazione dei sentimenti, attraverso il corpo, inteso come unico mezzo di comunicazione in grado di esprimere dei concetti difficili da esprimere a parole.

Hip Hop Style e Danza Urbana, Cos’è e l’origine della Musica

L’hip hop nasce intorno agli anni sessanta del XX secolo, nel Bronx, uno dei cinque distretti in cui è divisa la città di New York. Prima di diventare una danza, ebbe origine come movimento artistico e culturale che coinvolgeva tutto il quartiere, si dice che abbia mosso i primi passi con il lavoro di DJ Kool Herc che, competendo con DJ Afrika Bambaataa, inventò il termine “hip hop” per descrivere la propria musica.

Cuore del movimento è stato il fenomeno dei block party, ovvero feste di strada, in cui i giovani afroamericani e latinoamericani interagivano suonando, ballando e cantando a ritmo della musica hip hop, questo creò un forte senso di intesa e appartenenza, la libertà di potersi esprimere senza limiti. Un altro elemento caratteristico fu l’introduzione del writing nelle canzoni, intese come il rapping, uno stile di rima vocale (in voga ancora tutt’ora).

Intorno agli anni 80′-90′, gli aspetti di questa cultura subirono una forte evoluzione varcando i confini americani ed espandendosi in tutto il mondo, diventando una cultura urbana, dal nome appunto di danza urbana in grado di appagare ogni persona, razza, etnia e origine, diventando una fortezza sia nel mondo della musica che nella danza.

Adesso la danza hip hop viene inserita nelle competizioni di danza sportiva, organizzate dalla F.I.D.S (Federazione Italiana Danza Sportiva), nella categoria Urban Dance che coinvolge oltre all’Hip Hop, anche la Breakdance, la Street dance e l’Electric Boogie.

Battle: Danza Contemporanea e Danza Hip Hop

Il termine battle (sfida), indica il momento di competizione freestyle che avviene fra b-boy, ovvero ballerini di break dance, considerata come la tecnica originale della street dance (danza per strada), poiché è nata contemporaneamente alle altre discipline dell’Hip Hop. La battle, è parte integrante della cultura del b-boying e anche dell’hip hop e prende la forma del cypher battle (o “sfida nel cerchio”) e del contest (battle organizzato).

Ora vi propongo una battle: contemporary dance VS hip hop dance.

Da un lato abbiamo la danza contemporanea, nata dall’evoluzione della danza classica, che abbatte limiti e si sviluppa in metodologie e tecniche diverse. Dall’altra l’hip hop, nata con il desiderio di rompere le barriere sociali, avvalersi dei propri diritti liberi su strada. Su questo possiamo dire che le due squadre (contemporanea e hip hop) si somigliano molto, entrambi gli stili hanno creato la propria identità riconoscibile e unica. Nel dettaglio vediamo quali sono le differenze tra le due tipologie di stile, passando dalle tecniche più antiche alle più recenti i passi che contraddistinguono le due danze e il rapporto con la musica e l’abbigliamento:

Danza Contemporanea

1. Iniziamo parlando di tecnica, nel dettaglio dalle più “antiche”. Tra queste ricordiamo la tecnica Graham, Humphrey-Limòn, Cunningham, Horton e Laban. Tutti i fondatori di queste tecniche sono considerati i pionieri della modern contemporary dance, sviluppando nuovi concetti di danza libera, andando contro la canonicità classica, la drammaturgia narrativa nelle coreografie, piuttosto invece, sottolineando l’armonia dei movimenti, l’introduzione dell’astrazione e della tecnologia nella danza, valorizzando l’atto fisiologico della respirazione come corrente fluida del movimento. Passando alle tecniche più “recenti” come la tecnica Release, il Floorwork e la Contact Improvisation, che raggruppano tutti i concetti esplorati dalle tecniche precedenti, dando un tocco di innovazione, rendendo il movimento fluido e continuo, introducendo la danza di partnering con il pavimento (Floorwork tecnique) e con un altro danzatore (contact). Un grande punto di svolta fu l’inserimento dell’improvvisazione e composizione coreografica;
2. I passi della danza contemporanea. Se vuoi scoprire una lista di passi dettagliata –> clicca qui <– La danza contemporanea è un fiume di idee e movimenti, perciò dare un nome specifico ad ogni passo è impossibile, ma ciò che la caratterizza è la capacità di mutare ogni passo e posizione in un modo diverso, passando di coreografo in coreografo e adattando la propria tecnica a chiunque ci si affacci;
3. Il rapporto con la musica. La musica per la danza contemporanea non è indispensabile, ossia il movimento è considerato come una forma indipendente d’arte e d’espressione e, proprio per questo motivo, può decidere di separarsi dalla musica per far esprimere i movimenti sui vuoti ed il silenzio (oppure sull’ascolto di parole generate dal ballerino stesso e dai suoi respiri). Questo genere di approccio lo ritroviamo ad esempio nella tecnica di Merce Cunningham e John Cage. Spesso i brani scelti sono strumentali, con base di pianoforte, ricercati e particolari per rendere unica l’esperienza e l’interpretazione del danzatore;
4. I vestiti nella danza contemporanea. Il look della danza contemporanea è elegante e semplice. Si prediligono vestiti morbidi, gonne effetto “a ruota” oppure pantaloni non troppo stretti (anche se qualche volta si vedono usare i jeans, magari elasticizzati). I colori sono tenui, con gradazioni del marrone/beige, oppure il classico bianco o nero. Delle volte per mettere in luce le caratteristiche fisiche della danzatrice o del danzatore, si utilizzano accessori ed abiti effetto “nude”.

Hip Hop Danza e Danza Urbana:

1. La tecnica nell’hip hop. Come nella danza contemporanea ritroviamo due momenti storici diversi, la tecnica più antica, chiamata Old school nella danza hip hop è caratterizzata da suoni funk e dall’old school rap che si è sviluppata durante gli anni settanta e ottanta. Gli stili di danza funk, originariamente nati al di fuori della cultura Hip Hop, come il popping e il locking, con il tempo iniziarono ad essere incorporati nella danza hip hop, tanto da essere spesso fusi e ballati insieme alla breakdance. Le nuove tecniche della danza urbana, chiamate New School e Boom Bap Era, vennero introdotte con il cambio radicale che ebbe la musuica. Altri stili specifici di danza new school sono il Party Rock, lo Smurfin e il Freaky, che si svilupparono a New York, e il Clown Walk, il Krumping e l’1, 2 Step, nati nella città di Los Angeles;
2. I passi dell’ hip hop dance. Come la danza contemporanea anche la danza hip hop è composta da molteplici passi. Clicca qui per vedere dell’hip hop passi base tutorial. Tra questi ricordiamo le Waves ovvero vere e proprie onde, molto armoniche, fatte con il corpo e si possono effettuare sia in piedi che da seduti. Il Locking è invece uno dei passi più complicati della tecnica old school, e prevede scatti sincopati del corpo, rigidi e molto rapidi, sia delle braccia che delle gambe. Inoltre c’è il popping e il roboting, quest’ultimo molto importante poiché diffuso per primo dal grandissimo Michael Jackson;
3. La musica hip hop. Durante gli anni ottanta, la musica hip hop era diffusa solo negli Stati Uniti d’America, poi iniziarono a miscelare le canzoni hip hop in altri paesi, creando dei sottogeneri musicali. La new school hip hop è stata la seconda ondata di musica hip hop, nata nel periodo 1983-1984 con i primi dischi dei Run DMC e di LL Cool J. Il periodo della golden age hip hop è stata l’era più innovativa, tanto che proprio negli anni novanta, l’hip hop raggiunge la fama che lo renderà uno dei generi prevalenti in tutto il mondo. Il rapporto tra danza hip hop e musica hip hop, è sempre stato unito, poiché si sono mossi e si muovono di pari passo;
4. L’abbigliamento dell’hip hop dance. Quando penso agli abiti degli anni 90′ della danza hip hop, mi viene in mente il Principe di Bel Air, tuta larga, felpa con il cappuccio, cappello con la visiera (messo anche al contrario), salopette di jeans, maglie dalle fantasie e colori sgargianti, grandi collane al collo e catene ai pantaloni. In poche parole, super stilosi!

Dove Studiare?

L’obiettivo principale della danza contemporanea è trovare l’essenza del movimento, controllare che il movimento sia qualitativo e non quantitativo, poiché ciò che rimane scalfito nella mente di uno spettatore non è la quantità di salti o giri (per quanto siano fondamentali nello studio della tecnica), ma la qualità dell’esecuzione, l’attenzione rivolta ai piccoli dettagli che fanno la differenza. Proprio per questo i passi della danza contemporanea (rispetto alle posizione classiche), non sono codificati, perché attingono da tutte le tecniche studiate passate, tra cui il balletto classico, volgendo invece gli occhi al futuro, dando in ogni passo un tocco di originalità e unicità.

Tu potresti essere parte di questo futuro! Chiedi consiglio e affidati agli insegnanti qualificati di danza-contemporanea.it che sapranno aiutarti ad eccellere e raggiungere ogni tuo obiettivo.

Le Compagnie più famose della Danza Contemporanea

Ecco una lista di alcune delle più conosciute compagnie di danza contemporanea in Europa e in Italia:

Hofesh Shecther Company a Londra, con la direzione di Hofesh Shechter;
Batsheva Dance Company a Tel Aviv, con la direzione di Batsheva de Rothschild;
Nederland Dans Theater (NDT) a Lucent Danstheater a L’Aia, con la direzione di Paul Lightfoot;
Kibbutz Contempoorary Dance Company in Israele, con la direzione di Rami Be’er;
Vertigo Dance Company in israele, con la direzione di Noa Werthelm;
Momix, con la direzione dello statunitense Moses Pendleton;
Akram Khan Company a Londra, con la direzione di Akram Khan;
Jacob Jonas the Company a Los Angeles, con la direzione di Jacob Jonas;
EgribiancoDanza a Torino, con la direzione di Susanna Egri e Raphael Bianco;
Associazione Sosta Palmizi a Cortona, con la direzione di Michele Abbondanza, Francesca Bertolli, Roberto Cocconi e Roberto Castello;
Opus Ballet a Firenze, con la direzione di Rosanna Brocanello;
Spellbound Contemporary Ballet a Roma, con la direzione di Mauro Astolfi;
Mandala Dance Company a Ladispoli, con la direzione di Paola Sorressa;
Zappalà Danza a Catania, con la direzione di Roberto Zappalà.

Curiosità: Film sulla danza Hip Hop e Citazioni

Ecco una breve lista dei film sulla danza hip hop:

• Tutta la saga di Step up: Step Up (2006), Step Up 2, la strada per il successo (2008), Step Up 3 (2010), Step Up Revolution (2012), Step Up All In (2014);
• Street Dance 3D (2010), Street Dance 2 (2012);
• Save the Last Dance (2001);
• Honey (2003);
• Into the Beat (2020).

Frasi sulla danza hip hop, citazioni:

• “L’Hip hop ascolta le storie della gente attraverso la mente di chi vuol stare in alto nel palco della vita, di chi vive nel mondo, di chi in fondo lotta per rinascere.“
• “L’Hip hop ha il senso del movimento in maniera geometrica, fluida, gestuale, mimica.”
• “Hip Hop la danza che fa girar la testa al ritmo della festa.“

Video, Hip Hop Danza e Contemporanea

Quali tipi di danza ci sono?

Ecco tutte le guide dedicate ai principali tipi di danza:

• Danza medievale;
• Danza classica;
• Danza neoclassica;
• Danza contemporanea;
• Danza moderna;
• Danza sportiva;
• Teatroterapia o teatro danza;
• Break dance;
• Danza jazz;
• Danze popolari e tradizionali.

*Le immagini presenti nel seguente articolo derivano da una rielaborazione del contenuto proveniente dalle fonti citate nella descrizione.

Scopri di più sulla danza contemporanea e la sua tecnica, danzaterapia e il metodo Fux e il teatrodanza con Pina Bausch. Le differenze e similitudini tra le tre metodologie e tecniche più utilizzate, lo sviluppo di una lezione e 4 degli esercizi più conosciuti. Scegli la danza che più ti appartiene, per sentirti unico/a e speciale.

Sommario:

1. Danza Contemporanea, dalle Origini a Oggi
2. Danzaterapia, Cos’è e a Cosa Serve
3. Danzaterapia e il Teatro Danza (Tanz Theater) di Pina Bausch
4. Danza Contemporanea, Danzaterapia e Teatrodanza: Differenze e Similitudini
5. Quale scegliere? La Danza Contemporanea come Maestra di Vita
6. Sviluppo della Lezione e 4 Esercizi Utili
7. Video
8. Quali tipi di danza ci sono?

Danza Contemporanea, dalle Origini a Oggi

La danza contemporanea nasce in Europa e negli Stati Uniti dopo la Seconda guerra mondiale. Prosegue poi la sua rivoluzione attuata dalla danza moderna in America (con Martha Graham come pioniera principale) a favore di nuove espressioni corporee, in grado di completare un danzatore e di appagare chi guarda.

Quindi la danza contemporanea, rappresenta l’evoluzione della danza, abbattendo i canoni rigidi classici e dedicandosi maggiormente alla libertà d’espressione e movimento, proprio per questo è molto difficile riassumere cos’è la danza contemporanea, ma nel corso dell’articolo approfondiremo il tutto.

Possiamo dire che il carattere distintivo della danza contemporanea rispetto agli altri stili, è l’alternanza tra forza del movimento e l’utilizzo della gravità che permette al corpo di rilasciare il proprio peso al pavimento.
Un altro principio che influenza “la danza libera”, è la metodologia del Contact Improvisation: in questa pratica si pone il danzatore nella condizione di percepire il contatto con il partner, o talvolta con il pavimento (nel caso del meotodo Floorwork) senza un fine estetico, perciò non esistono prese codificate come nel caso del balletto classico. Invece risulta come un continuo gioco di corpi, che mutano forme diverse senza preavviso, divertendosi a creare intrecci nuovi.

Nonostante quanto detto è importante riconoscere che un danzatore contemporaneo è a pari merito ad un danzatore classico, poiché come tale si dedica allo studio della tecnica (compresa quella classica ovviamente, essendo la basi di tutto), cercando poi di destrutturarla, creando un movimento unico e autentico.

Danzaterapia, Cos’è e a Cosa Serve

Che cos’è la danzaterapia? La danzaterapia è una forma di arteterapia che utilizza la musica e il movimento come mezzo di cura, viene conosciuta anche con l’acronimo DMT ovvero danzamusicaterapia.

Come suggerisce la parola quindi, si tratta di una pratica per cui la danza, il movimento e la musica sono considerati lo strumento che rivela gli stati interiori delle persone che si affacciano a questo metodo, facendoli emergere e successivamente trovando la via per superare gli ostacoli della mente e della psiche con il corpo, grazie ovviamente all’intervento di un terapeuta preparato.

Il concetto di danza in questo contesto, non rappresenta una tecnica codificata da seguire, bensì un arte in grado di coniugare movimento, energia cinetica e vissuto delle persone trasformandosi in una danza liberatoria, una danza che ha come scopo quello di stare bene con sé stessi e con gli altri. In questo si ritrova molto con l’idea della danza contemporanea.

Il corpo è una grande risorsa e come tale, può essere usata in sostituzione alla parola, ed è proprio per questo che tramite il movimento riescono ad emergere emozioni e pensieri che sono immagazzinati nel nostro cervello, spesso tramutandosi in ansia. Avere e accrescere un proprio vocabolario corporeo è importante, in quanto serve ad accedere a nuove dimensioni della coscienza e consapevolezza di sé e soprattutto è una chiave d’accesso all’inconscio.

Per poter insegnare danzaterapia, come tutti gli altri stili ovviamente, c’è bisogno di seguire un corso di formazione in danzaterapia.

Approfondimento: Metodo Fux

La coreografa argentina Maria Fux ideò un suo metodo per la danzaterapia, ampiamente sperimentato e diffuso in vari paesi del mondo.

Partendo dalla sua forte esperienza artistica come danzatrice, Maria Fux decise di elaborare una metodologia profonda ma semplice, alla portata di tutti. Infatti decise di elaborare la danza come canale di comunicazione, poiché in grado di creare gruppi con persone diverse, di qualunque età e livello e di diversa condizione psicofisica. Il metodo Fux accentua che non esistono limiti che precludono o riducono la capacità di esprimersi attraverso il movimento, la sua filosofia si basa sul concetto di possibilità, l’affermazione “si può!”. Si consiglia di utilizzare questo metodo in gruppo, per sperimentare il concetto di danza come comunicazione senza l’uso delle parole, senza catene e vincoli ma sottolineando la creatività ed espressività, diventando così, mezzo di crescita e arricchimento per sé stessi.

Danzaterapia e il Teatro Danza (Tanz Theater) di Pina Bausch

Quando parliamo di danzaterapia e teatrodanza non stiamo parlando della stessa cosa, nonostante ci siano dei caratteri comuni.

Il teatrodanza o TanzTheater nasce prima di tutto con Kurt Jooss, quando nel 1927 fondò la Folkwang Hochschule di Essen (Germania) e introdusse la tecnica del teatro danza o da lui chiamata “danza espressionista” e fu un grande maestro per Pina Bausch, che proseguirà poi questo percorso da sola. La coreografa Bausch infatti, decise di intraprendere un percorso con i suoi danzatori, passando mediante i suoi problemi e le sue preoccupazioni, dandogli poi risposta attraverso un lavoro psicanalitico con parole, movimenti, azioni e musica. In questo concetto ritroviamo una similitudine con la danzaterapia, poiché entrambe studiano la psiche e le emozioni delle persone e dei danzatori per quanto riguarda il teatrodanza, tramutandole nel primo caso (danzaterapia) in movimento in risoluzione dei problemi, nel secondo caso in arte.

“Certe cose si possono dire con le parole, altre con i movimenti. Ci sono anche dei momenti in cui si rimane senza parole, completamente perduti e disorientati, non si sa più che cosa fare. A questo punto comincia la danza.”

Pina Bausch quotes

Nella sua danza, Pina Bausch racconta la vita reale e si riconosce con un grande carattere teatrale, tanto che con la sua influenza nel mondo della danza, i danzatori vennero chiamati “danzattori”. Nei suoi lavori è riscontrabile una voluta esagerazione dei movimenti volta a calcare l’intensità delle sensazioni e sottolineando il rapporto tra forza e fragilità umana. Pina nel suo percorso artistico non disconosce del tutto l’importanza dell’impostazione accademica, ma ne ridimensiona la funzione, volgendo più attenzione al contenuto piuttosto che alla forma con cui viene narrato. Proprio per questo, un elemento fondamentale del teatrodanza e anche della danza contemporanea, è l’improvvisazione, attraverso la quale si può percorrere le varie fasi della vita rendendole danza.

Pina Bausch è una grande sostenitrice del movimento autentico e sincero, ed è proprio per questo che preferisce lavorare con danzatori timidi e riservati, per poterli guidare attraverso una ricerca interiore e fare uscire le emozioni chiuse all’interno. Quindi lo scopo della sua danza è andare oltre la tecnica stessa, per quanto sia importante e sia elemento di studio, ma quello che vuole far trasparire, anche e soprattutto negli occhi degli spettatori è che la danza non è linee e forme, i danzatori non devono dimostrare le loro abilità cimentandosi in cose difficili, ma devono dialogare attraverso il corpo con il pubblico. Solo così la danza diventerà veicolo di comunicazione, quando lo spettatore immedesimandosi nel corpo del danzattore si sentirà parte integrante, capirà la sua gioia o la sua frustrazione. Potremmo quasi dire che per gli occhi di chi guarda senza giudizio, ma lasciandosi trasportare dalle emozioni, la danza può diventare terapeutica.

Al momento una delle compagnie che prosegue con il concetto di teatrodanza è la Teatro Danza Duende a Lecce.

Danza Contemporanea, Danzaterapia e Teatrodanza: Differenze e Similitudini

Chiariamo un concetto molto importante, il teatrodanza a differenza della danzaterapia, è un ramo molto importante della danza contemporanea.

Quando si parla di danza contemporanea, infatti, non si riferisce ad una tecnica codificata (come può essere la danza classica), bensì ad un insieme di stili e metodologie che formano la c.d. contemporay dance. Tra questi ricordiamo la tecnica Graham, la tecnica Limòn, la tecnica di Merce Cunningham, il metodo Release e Floorwork, la Contact Improvisation e il Teatrodanza, oltre poi alle mille influenze da parte di altre discipline come ad esempio il capoeira, lo yoga e le arti marziali.

Infatti il teatrodanza, è una diramazione della danza contemporanea ed espressionista degli anni trenta e vengono innestati in essa elementi della danza libera. Il riferimento al teatro è solo in apparenza, poiché si tratta al contrario, del recupero di una dimensione primordiale del rapporto tra gesto e azione e tra gesto e parola. La bellezza e la difficoltà della danza contemporanea è proprio questa, estrapolare l’unicità del movimento, rendendolo poesia.

Perché dico che è un concetto difficile? Perché al mondo d’oggi chi si affaccia alla danza non è pronto a includere e scoprire una parte di sé, utilizzare il proprio io nella creazione di movimenti o ricercando il carattere unico di un gesto quotidiano che non sia teatrale ma autentico, è più facile eseguire passi a tempo di musica, e così ancora una volta il senso della danza come arte sparisce.

La danzaterapia invece, a differenza del teatrodanza, non è un ramo stretto della danza contemporanea, nonostante gli elementi che utilizza nella ricerca sono spesso simili. Sicuramente questa metodologia usata come percorso terapeutico nelle persone aiuta ad entrare in contatto con sé stessi ma anche a rispecchiarsi nella danza senza filtri, un modo questo, per coinvolgere più persone ad avvicinarsi al movimento riscontrando forti benefici interni ed esterni.

I benefici e i vantaggi che si raggiungono attraverso la danza contemporanea e quindi anche con il teatrodanza, e con la danzaterapia, sono d’aiuto per il danzatore ma soprattutto per la persona stessa come individuo unico e speciale, tra questi:

• Benefici a livello atletico, poiché in tutt’e tre le metodologie utilizzando il movimento si sviluppa il tono muscolare (che potrebbe essere più accentuato nei danzatori della danza contemporanea piuttosto che nella danzaterapia, soprattutto per il tempo dedicato all’allenamento), la mobilità articolare e il miglioramento della coordinazione (che però non è richiesta nella danzaterapia) e nella postura;
• Benefici a livello cognitivo, incrementando la concentrazione e sviluppando la memoria, infatti nonostante il teatrodanza e la danza contemporanea si concentrano sulla danza libera e “improvvisata”, è una sfera importante di ogni danzatore;
• Benefici a livello psicologico, soprattutto grazie agli esercizi che stimolano l’emotività del ballerino in modo naturale e liberatorio, in questo tutt’e tre le tecniche si rispecchiano completamente. Nonostante nella contemporanea e nel teatrodanza si va in qualche modo ad attingere alla tecnica, la sfera emotiva è la spinta per continuare a danzare e ricercare risposte interiori, tramutate in movimento.

Quale scegliere? La Danza Contemporanea come Maestra di Vita

Se è la prima volta che ti affacci al mondo della danza, sicuramente ti troverai davanti ad una scelta. Cosa preferisti? Una danza che ti insegni passi e tecnica senza coinvolgimenti emotivi o una danza che ti insegni a vivere senza ossessioni e paure? La danza contemporanea, è completa di tecnica ed espressione e con essa potrai sentirti unica/o e speciale, comincerai a credere in te stesso/a nelle tue potenzialità migliorando i tuoi “punti deboli”, non avrai giudizio durante la tua ricerca introspettiva e imparerai che gli impulsi che ti arrivano dal cuore e dal cervello, possono diventare una cosa sola.

Cosa c’è di più bello di sentirsi in pace con sé stessi? E’ arrivato il momento di dedicarti a te!

–> Contattaci per ricevere tutte le informazioni e tutte le novità sulle lezioni online, lezioni in presenza e sulle modalità di partecipazione (senza impegno!):

– Numero di telefono (anche WA): 348 4266535 – attivo dal lunedì al venerdì dalle 10:00 alle 19:00 ed il sabato 10:00 – 13:00;
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Sviluppo della Lezione e 4 Esercizi Utili

Un altro aspetto simile tra la danza contemporanea, il teatro danza e la danzaterapia è lo sviluppo della lezione:

1. La prima fase è di accoglienza, seduti in cerchio si condivide uno spazio dedicato all’ascolto della voce di tutti per sospendere fin dal primo momento la paura del giudizio nei confronti dell’insegnante, o di persone appena incontrate. Nella danza contemporanea in più, la prima parte può essere sempre dedicata al rilascio delle tensioni e del giudizio, tramite il movimento liberatorio. Si mette una musica leggera e coinvolgente, di tipo jazz, classico, in base al gusto e si chiede a tutti i partecipanti di fare tutto ciò che il corpo richiede, che si tratti anche di saltare, chiudere gli occhi, sdraiarsi o non fare nulla – ascolta il tuo corpo -. Questi due esercizi saranno l’inizio di un apertura verso una nuova relazione con se stessi e con gli altri, portando così energie positive per tutta la durata della lezione;
2. La fase centrale è diversa per la danza contemporanea e per la danzaterapia/teatrodanza che questa volta viaggiano in coppia. Nel primo caso, ovvero nella contemporanea, nella seconda parte della lezione si vanno a toccare i caratteri tecnici riscaldando il corpo e preparandolo fisicamente ad affrontare il resto della lezione. Quindi vediamo elementi tecnici di pliè, tendiu, rond de jambe e così via, ovviamente in chiave contemporanea e non classica, quindi utilizzando sia l’en dehors che en dedans. Nella danzaterapia e teatrodanza invece, si propone un’attività e uno sviluppo di un tema specifico che verrà elaborato in solo, coppia o piccoli gruppi, con l’improvvisazione o lo sviluppo di una sequenza coreografica (per i benifici cognitiivi visti prima);
3. La terza parte, è caratterizzata dalla conclusione della lezione. Nel caso della danza contemporanea, negli ultimi 30/40 minuti (su una lezione in media di 1h e mezza) si va a lavorare la parte dell’improvvisazione e della ricerca coreografica, questo per mettere in connessione il corpo con la mente, e creando così una cosa sola. Nella danzaterapia e teatrodanza, l’ultima parte è dedicata ad uno scambio verbale mettendo al centro del cerchio tutte le emozioni vissute nel corso della lezione.

Alla luce di quanto visto, possiamo dire che sicuramente la danza contemporanea è un percorso completo che forma il danzatore sia dal punto di vista tecnico che dal punto di vista espressivo ed emotivo, elemento principale toccato invece dalla danzaterapia e dal teatro danza.

Per quanto riguarda gli esercizi di danzaterapia, eccone 4 che potresti eseguire all’interno di una lezione oppure da solo. La cosa interessante è che questi esercizi sono spesso inseriti anche nelle lezioni di danza contemporanea e danzaterapia, poiché volgono a riscoprire il piacere di sentire il proprio corpo in tutte le sue parti, sprigionando energia vitale. I nomi particolari utilizzati per questi esercizi, stimolano sensazioni già nel pronunciarli ed è proprio la caratteristica più interessante, in più nelle varie tecniche lo stesso nome può rappresentare diverso movimento:

• La bolla. Immagina di essere dentro una bolla, che sia di sapone, d’acqua o di vetro. Cosa ti fa pensare? Immagina la forma e la consistenza, di conseguenza pensa di essere all’interno di essa, prova a non farla rompere perciò esegui movimenti fluidi e silenziosi, non scattosi. Sposta dolcemente il peso da un piede all’altro, muovi delicatamente braccia e gambe, e se la bolla inizia a stringersi, prova a rimpicciolire più che puoi il tuo corpo;
• La radice. Nella danzaterapia in questo esercizio si parte da supini e al pavimento, per poi rotolare a ritmo di musica sentendo la terra sotto le mani e sotto i piedi. Il rotolamento deve anche essere in armonia con il respiro. Nella danza contemporanea l’esercizio della “radice” è invece, pensare al corpo come un albero e i piedi come le radici, perciò prova a non staccare quest’ultimi dal suolo e proietta la tua attenzione su tutto il resto del corpo, muovendolo energicamente.
• L’alga. Nella danzaterapia questo esercizio di esegue al suolo appoggiando la schiena per poi ruotare e sollevare dal pavimento braccia e gambe, in modo continuo e a tempo di musica. Nela danza contemporanea invece, l’alga è l’opposto, si esegue sempre al pavimento (floor) ma l’obiettivo è quello di ruotare, rotolare e spostare il peso del corpo al pavimento senza staccare nulla. Immagina l’alga fluttuare nell’acqua;
• Il filo. Con l’utilizzo della musica o senza, immagina di disegnare con le braccia, le gambe e con tutto il corpo un filo immaginario che si srotola intorno a noi. Il movimento deve essere continuo e senza interruzioni.

Video

Quali tipi di danza ci sono?

Ecco tutte le guide dedicate ai principali tipi di danza:

• Danza medievale;
• Danza moderna;
• Danza classica;
• Danza neoclassica;
• Danza contemporanea;
• Danza sportiva;
• Danza urbana
• Break dance;
• Danza jazz;
• Danze popolari e tradizionali.

*Le immagini presenti nel seguente articolo derivano da una rielaborazione del contenuto proveniente dalle fonti citate nella descrizione.

Le principali differenze tra la danza contemporanea e la danza classica sono l’utilizzo della musica, lo studio del movimento e la canonicità della tecnica contro l’espressione attraverso l’improvvisazione. Analizziamole nel dettaglio e capiamo come i due stili si siano evoluti nel corso del tempo.

 Sommario:

• Danza Contemporanea e Danza Classica: Cosa cambia? Le Differenze principali
• Danza contemporanea: Cos’è e la Storia
• Danza classica: Cos’è e la Storia
• En dehors e En dedans: le Posizioni base della Danza Classica e della Danza Contemporanea
• Elenco delle posizioni base dei piedi e delle braccia: Danza Contemporanea e Danza Classica
• Dove studiare Danza Contemporanea?
• Quale scegliere: danza contemporanea o classica?
• Danza Contemporanea e Classica: i Video
• Quali tipi di danza ci sono

Danza Contemporanea e Danza Classica: Cosa cambia? Le 3 Differenze principali

La danza contemporanea e la danza classica hanno delle differenze? Sono la stessa cosa? Ecco la spiegazione completa su similitudini e divergenze tra i due tipi di danza.

Genericamente parlando, sia la danza contemporanea che la danza classica sono due forme d’arte in continua evoluzione, nonostante lo stile del balletto classico nasca per primo (storicamente diffuso ca. dal 1661). Ci sono differenze visibili fondamentali tra i due generi, rimaste immutate nel corso del tempo. Ecco le principali tre:

1. Il ruolo della musica. Nella danza contemporanea il rapporto con la musica non è indispensabile, ossia il movimento è considerato come una forma indipendente d’arte e d’espressione, dov’è possibile danzare anche nel silenzio riuscendo a far trasparire le proprie emozioni al pubblico e rendendo unica l’esperienza del danzatore. Questo genere di approccio lo ritroviamo ad esempio nella tecnica di Merce Cunningham e John Cage. Nella danza classica invece, l’utilizzo della musica assume all’inizio un ruolo secondario, tanto che i primi compositori crearono liriche non particolarmente articolate, addirittura che non rispettavano il balletto on stage. Successivamente però, con la figura del grande maestro e compositore Tchaikovsky (metà anni ‘800) la musica divenne l’elemento fondamentale della scena, utilizzata per mettere in risalto non solo il virtuosismo tecnico del balletto, ma il dramma ed il pathos. Tutti gli altri musicisti classici presero spunto proprio da Tchaikovsky.
2. La gravità. Nella danza contemporanea la gravità è un elemento indispensabile, tanto che la maggior parte delle creazioni di questo genere ruotano proprio intorno a questo concetto. I danzatori sono in continua ricerca dell’equilibrio e della perdita di esso, “giocando” a mantenere e poi cedere a questa forza. Il metodo Floorwork ed il Contact Improvisation, sono parte integrante della tecnica contemporanea, basando lo studio sul continuo mutamento del rapporto che il ballerino ha con il suolo e talvolta con il partner, che cambia, si evolve e modifica il suo linguaggio in base al messaggio da comunicare allo spettatore. Inoltre, spesso un ballerino/a contemporaneo si trova sul punto di “perdere il proprio baricentro” per poi ritrovare l’equilibrio, altro momento in cui emerge l’indagine tra corpo e gravità (per approfondire leggi l’articolo su Martha Graham). Al contrario, sebbene il corpo di un ballerino/a classico così come il corpo di ogni individuo/animale/oggetto sulla Terra sia sottoposto alla forza di gravità, la tecnica classica non ha dedicato uno specifica ricerca artistica in questo campo, poiché la danza classica si focalizza sul continuo mantenimento dell’equilibrio atto a sostenere le varie posizioni.
3. L’improvvisazione e la sperimentazione. Partendo dalla danza contemporanea è giusto ricordare come l’improvvisazione sia parte centrale del metodo stesso, ispirando numerosi laboratori sperimentali e coreografici che puntano ad arricchire il corpo e l’anima di un danzatore. Infatti, l’improvvisazione viene concepita non solto come il modo di creare dal nulla un movimento nuovo, bensì come una liberazione del proprio corpo dai movimenti abituali. Proprio per questo motivo nella danza classica questo metodo di studio non è utilizzato, poiché la tecnica accademica prevede soltanto l’apprendimento delle posizioni codificate, poi “unite tra loro” per dare vita ad un balletto.

Danza contemporanea (contemporary dance): Cos’è e la Storia

La danza contemporanea (detta anche “contemporary dance“) è un genere di danza “da concerto” risalente al XX secolo, e rappresenta l’evoluzione della danza moderna (c.d. modern dance).

Considerata sin dalla sua nascita come una nuova arte scenica, la danza contemporanea si pone come obiettivo principale il distanziamento dalla formalità e dalla rigidità, dalla schematicità e dalla canonicità classica e anche moderna. Abbraccia pertanto i concetti di improvvisazione e studio di nuovi passi, destrutturandone i movimenti, ma garantendo al contempo fluidità e concatenazione. I principi fondamentali – che rappresentano anche elementi di differenziazione con la modern dance – riguardano l’utilizzo della gravità del corpo (ed il recupero/abbandono del peso), lo studio del rapporto movimento-suolo (c.d. floorwork) e l’integrazione di altre discipline complementari (es: yoga, pilates, arti marziali, capoeira e la meditazione). È proprio questa “apertura” mentale ed artistica, che rappresenta la vera essenza della danza contemporanea, espressa attraverso la comunicazione dei danzatori.

In conclusione potremmo affermare che un bravo danzatore contemporaneo deve essere sempre in grado di trasmettere le sue emozioni, catturando lo spettatore ed appagando sé stesso, la sua anima e anche gli altri.

Danza classica (classic dance): Cos’è e la Storia

La danza classica (appunto classic dance) si impone intorno al 1661 a Parigi con la fondazione dell’Académie Royale de Danse di Luigi XIV di Francia, soprannominato “Re Sole”. È qui che ha origine la danza classica accademica, l’intramontabile stile arrivato “integro” fino ai giorni nostri, grazie al contributo dei Grandi maestri, tra cui il noto coreografo dalle doti innaturali: Pierre Beauchamp.

Nella danza classica sono presenti quindi passi e posizioni precise e codificate. Pierre Beauchamp riprese le cinque posizioni classiche fondamentali già stabilite in precedenza dai maestri di ballo del ‘400 e del ‘500, imponendo però la regola di assumerle rigorosamente ad inizio e fine frase di ogni movimento. Beauchamp, così facendo, codificò in maniera dettagliata l’esecuzione dei principali passi della danza classica definendone anche la terminologia che ogni ballerino/ballerina deve conoscere. Ed è proprio per questi motivi storici che ancora oggi, i nomi dei passi della danza classica accademica sono in lingua originale francese.

All’inizio tutti i danzatori alla corte del Re Sole erano uomini, fino a quando nel 1681 salì sul palco la prima donna, ossia M.lle de La Fontaine che si esibì nel balletto Le Triomphe de l’amour, coreografato proprio da Pierre Beauchamp (può essere considerata la prima “ballerina della danza classica”). Durante il periodo dell’ Illuminismo (1715–1789), il famoso movimento politico, sociale, culturale e filosofico che si sviluppò in Europa (soprattutto in Francia), vi fu chi si risentì di un tale decadimento anche nei confronti dell’arte che auspicò ad una riforma restauratrice affinché la danza ritrovasse forme espressive più genuine e consone alla sua nobile origine, quindi “tagliando di scena” il genere femminile.

Tuttavia, nel corso XVIII secolo vennero introdotti notevoli cambiamenti, a partire dai costumi dei danzatori e delle ballerine con maschere e ruoli stravaganti, parrucche colorate e tacchi. Le ballerine indossavano gonne larghe e lunghe, strette nei loro corpetti. L’ 800 segnò poi il cambiamento di un paradigma, poiché la danza femminile prevalse su quella maschile, con le gambe iniziarono a divenire visibili. Poco dopo la metà del secolo (ca. 1860) venne introdotto un gonnellino più corto, il tutù/body e le scarpette da punta. Inoltre i coreografi applicarono più estensivamente un concetto già introdotto a partire dal ca. 1828: quello delle “prese” da parte dei partner, coronando storie romantiche e d’amore nonché l’utilizzo di numerosi salti.

In conclusione, nonostante la danza classica accademica ebbe concreta diffusione dal 1661, con il passare degli anni nacquero diversi metodi, sempre più articolati e volti all’aggiunta/rivisitazione di alcuni passi, ma che facevano sempre riferimento allo stesso codice d’origine, mai snaturato. Tra questi meritano sicuramente di essere citati il metodo russo Vaganova, il metodo inglese RAD, il metodo italiano Cecchetti, il metodo danese Burnonville ed il metodo americano Balanchine. Questi metodi prevalgono tutt’ora nelle scuole/academia in base alla collocazione geografica (ad es: i danzatori russi saranno probabilmente più influenzati dal metodo Vaganova rispetto a quelli americani) e al background artistico del maestro.

En dehors e En dedans: le Posizioni base della Danza Classica e della Danza Contemporanea

L’en dehors e l’en dedans sono, rispettivamente ed in termini anatomici, la rotazione dell’anca verso l’esterno (en dehors) e la rotazione dell’anca verso l’interno (en dedans).

Più precisamente, la tecnica di en dehors riguarda la rotazione verso l’esterno dell’anca di circa 90° rispetto al piano longitudinale del corpo. È pertanto una la rotazione del femore “verso fuori”, con il supporto dei muscoli che formano la cintura addominale ed i glutei, i quali contraendosi riescono a mantenere la colonna vertebrale in posizione eretta. La tecnica di en dedans invece, è esattamente il contrario dell’en dehors, quindi una rotazione verso l’interno ossia una chiusura dell’anca di circa 90° rispetto all’apertura in en dehors e quindi parallelo al piano longitudinale.

Da precisare che entrambe le posizioni sono presenti sia nella danza contemporanea che nella danza classica, in modo esattamente identico, ma come analizzato anche in seguito, quello che cambia è il loro utilizzo nella composizione coreografica (in estrema sintesi: la danza contemporanea utilizza maggiormente l’en dedans).

La posizione corretta di en dehors/en dedans si ottiene nella maggior parte dei casi dopo anni di studio e pratica ed è comunque legata anche alla conformazione fisica di ogni danzatore (per questo motivo, alcuni ballerini hanno una “naturale predisposizione” a questa tecnica). Gli esercizi di supporto (o correttivi) per aiutare e rafforzare l’esecuzione di questo movimenti, variano a seconda della tecnica:

• Per l’en dehors è essenziale lavorare il gruppo dei rotatori esterni (o laterali) dell’anca che comprendono sei muscoli, quali il piriforme, il gemello superiore, l’otturatore interno, il gemello inferiore, l’otturatore esterno e il quadrato del femore. Ad esempio è possibile allenare l’en dehors eseguendo dei piccoli movimenti di apertura dell’anca verso fuori, e poi dentro (in en dedans) per sollecitare la riuscita dell’esercizio. Inoltre è importante sottolineare come i piedi abbiano un ruolo fondamentale, poiché nonostante la rotazione deve essere generata dall’alto (e non dai basso), questi devono comunque mantenere in equilibrio tutto l’asse del corpo.
• Per l’en dedans invece il controllo del corpo è “minore” poiché rappresenta la rotazione verso l’interno, e più precisamente il momento di ritorno da fuori a dentro in asse con i piedi che guardano verso avanti (come in foto).

Infine, con il termine en dehors/en dedans vengono definiti anche i movimenti circolari della gamba e del corpo in una direzione interna o esterna, sia per la tecnica contemporanea che classica. Ad esempio nell’esercizio di rond de jambe parterre si parla di rond en dehors (ovvero che la gamba parte da una posizione anteriore per finire in una posizione posteriore) e rond en dedans (la gamba parte da una posizione posteriore per poi finire in una posizione anteriore). Un altro esempio è quello delle piroette, dove il giro può essere en dehors (ossia verso fuori dalla parte della gamba sollevata in un passè) oppure en dedans (verso dentro dalla parte della gamba portante).

Approfondimenti sull’En dehors e En dedans: applicazioni nella Danza contemporanea e Danza Classica

Sebbene en dehors ed en dedans siano eseguiti allo stesso modo sia nella danza contemporanea che in quella classica, è importante ricordare che nella danza contemporanea è maggiormente usata la posizione en dedans, mentre nella danza classica la posizione en dehors.

Questo avviene perché la tecnica contemporanea si basa su movimenti più fluidi e “comodi” (es: durante un passo di floorwork al pavimento non si pensa all’en dehors della gamba) nonostante durante le lezioni si studino entrambe le posizioni. Invece nella tecnica classica viene preferito l’en dehors poiché numerosi passi sono stati codificati a partire da questo particolare concetto, e la maggior parte del tempo viene studiato durante gli esercizi alla sbarra.

Elenco delle posizioni base dei piedi e delle braccia: Danza Contemporanea e Danza Classica

Ecco l’elenco delle posizioni base dei piedi della danza contemporanea e classica (sono utilizzate in entrambi i casi):

1. Posizione parallela per la danza contemporanea, o sesta posizione per la danza classica. Per approfondire clicca qui;
2. Prima posizione, i piedi sono ruotati in en dehors allineati fra loro con le punte rivolte verso l’esterno, con le gambe tese e i talloni uniti;
3. Seconda posizione, come nella prima posizione le punta dei piedi sono ruotate lateralmente in en dehors, ma in questa posizione sono distanziati fra loro da uno spazio equivalente alla lunghezza di un piede. Nella danza contemporanea esiste la seconda posizione parallela che equivale alla prima ma distanziando i piedi in en dedans;
4. Terza posizione, i piedi mantengono la rotazione delle posizioni precedenti, e si posizionano in modo da far toccare i talloni fra di loro, uno di fronte all’altro. La posizione si dirà destra o sinistra a seconda del piede che sta davanti;
5. Quarta posizione, è un approfondimento dell’incrocio fra le gambe della terza posizione, infatti i piedi si posizionano uno di fronte all’altro, con il tallone del piede avanti in linea con la punta di quello dietro. La posizione si dirà destra o sinistra a seconda del piede avanti. Questa posizione è utilizzata molto spesso sia nella danza classica che contemporanea, e ancor di più anche in en dedans;
6. Quinta posizione, come la quarta posizione, ma tenendo i piedi uniti cioè senza distanza tra loro. In questa posizione serve molto controllo sia dell’en dehors che dell’appoggio dei piedi.

Elenco delle posizioni della braccia comuni della danza contemporanea e classica:

1. Prima posizione, le braccia assumono una forma circolare e vengono tenute davanti al corpo, con le mani a poca distanza una dall’altra, all’altezza delle ultime costole;
2. Seconda posizione, le braccia sono allungate verso l’esterno mantenendo l’altezza della prima posizione. A differenza di quanto si crede, le braccia non vanno né alzate né aperte eccessivamente. Infatti il gomito va leggermente “arrotondato” e tenuto più basso delle spalle, come a creare una linea discendente spalla-gomito-polso. Inoltre le braccia non devono essere allineate lateralmente al corpo, ma tenute leggermente più avanti per mantenere un maggiore controllo dell’assetto del busto e delle braccia stesse (NOTA: la posizione più complicata da mantenere);
3. Terza posizione, un braccio è in prima posizione, l’altro invece è in seconda posizione;
4. Quarta posizione, un braccio è “arrotondato” sopra la testa in quinta posizione, mentre l’altro braccio è allungato verso uno dei due lati del corpo in seconda posizione oppure in alcuni casi avanti in prima posizione;
5. Quinta posizione, entrambe le braccia sono arrotondate ma allungate verso l’alto.

Dove studiare Danza Contemporanea? Lo stile contemporaneo

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Quale scegliere: danza contemporanea o classica?

E ora arriviamo alla domanda più cruciale di tutte: quale scegliere? Qual é meglio?

Scegliere tra danza classica e contemporanea è molto complicato, perché in questo caso parliamo di due tecniche molto differenti tra loro.

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La scelta da fare, tra la danza contemporanea e la danza classica dipende soprattutto dagli obiettivi artistici ed singolari che si vogliono raggiungere, dal grado di partenza e dalla voglia di mettersi in gioco. Potremmo affermare infatti che, la danza in generale comporta dei vantaggi e benefici in grado di soddisfare chiunque si affacci a questa disciplina:

• Benefici a livello atletico, come ad esempio il miglioramento del tono muscolare, della mobilità articolare, della coordinazione e della postura;
• Benefici a livello cognitivo, incrementando la concentrazione e sviluppando la memoria;
• Benefici a livello psicologico, soprattutto grazie agli esercizi che stimolano l’emotività e puntano a far emergere le emozioni del ballerino in modo naturale e liberatorio;
• Benefici a livello relazionale, potenzia l’autostima, calma da ansia e depressione e fortifica il rapporto con gli altri.

Soffermandoci sulla danza contemporanea però, la componente che prevale maggiormente sia a lezione che durante le performance, è la ricerca introspettiva che prevale sulla ricerca del movimento canonico e perfetto (favorita invece nella danza classica). Infatti, sia attraverso le normali lezioni programmate durante l’anno, che con workshop specifici, i ballerini (di tutte le età e livelli) vengono educati alla sensibilità nonché alla capacità di riconoscere i propri sentimenti, desideri e pulsioni.

Un danzatore contemporaneo, è allenato ogni giorno ad intraprendere un viaggio interiore che lo porterà a saper distinguere cosa “è costruito” e cosa “non”, capire in quale misura far trasparire la propria interiorità, cosa omettere e cosa invece amplificare. Durante le lezioni/workshop infatti, il ballerino è chiamato ad interpretare tematiche specifiche indicate e mostrate dall’insegnante, per poi renderle proprie. Solo così sarà pronto di salire sul palco per impressionare il pubblico, e potrà ritenersi soddisfatto quando riuscirà a trasmettere le proprie emozioni allo spettatore.

Quindi possiamo aggiungere che sì, la danza classica aiuta a formare il corpo del danzatore, però in maniera rigida e lineare, mentre la danza contemporanea aiuta a destrutturare queste linee dando vita ad un corpo energico, morbido e consapevole.

Infine, possiamo affermare che la danza contemporanea sia fra tutti lo stile che più aiuti a svincolarsi dalle proprie catene interiori, facendo maturare un’importante consapevolezza del proprio “io” che si trasforma in emozione vibrante che arriva agli occhi del pubblico.

Elenco di vantaggi e svantaggi

Danza contemporanea:

1. Favorisce la creatività e le capacità espressive; 
2. Danza di qualità introspettiva e di movimento;
3. Lavoro tecnico, ma con nuove forme di espressione corporea;
4. Il gesto quotidiano diventa “nuovo” movimento;
5. Il coreografo effettua una ricerca interiore e la condivide con i propri allievi, con lo corpo di comunicare un determinato messaggio espressivo al pubblico;
6. Consapevolezza del proprio corpo, degli altri e dello spazio;
7. I ballerini sono i protagonisti della loro danza, soprattutto nelle fasi di improvvisazione e ricerca personale;
8. Movimenti ampi e fluidi;
9. Acrobazie presenti nella tecnica floorwork;
10. Canoni fisici classici abbattuti;
11. Si danza con il corpo e con la mente.

Danza classica:

1. Movimenti legati ai vari metodi classici e a tecniche predefinite (come nelle impostazioni di braccia/gambe ecc);
2. Danza di quantità e forme “statiche”;
3. Lavoro più tecnico e impostato, poco spazio all’espressione interiore e alla creatività;
4. Non traspare l’unicità del danzatore;
5. Mentalità del fisico accademica; 
6. Si danza maggiormente con il corpo, per raggiungere la perfezione e non l’autenticità. 

Danza Contemporanea e Classica: i Video

Ecco una lista di video di coreografie ed esibizioni della danza contemporanea e danza classica. In questo modo puoi capire ancora meglio tutte le differenze fra i due tipi di generi artistici:

Quali tipi di danza ci sono?

Ecco tutte le guide dedicate ai principali tipi di danza:

• Danza medievale;
• Danza moderna;
• Danza neoclassica;
• Danza contemporanea;
• Danza sportiva;
• Teatroterapia o teatro danza;
• Danza urbana
• Break dance;
• Danza jazz;
• Danze popolari e tradizionali.

*Le immagini presenti nel seguente articolo derivano da una rielaborazione del contenuto proveniente dalle fonti citate nella descrizione.